jueves, 14 de septiembre de 2017

El poder de la Cultura

Cuando hace ya más de cuatro años se crea Letras Vivas de la mano de dos escritores, Fernando López Guisado y Elena Muñoz, el objetivo era poder ofrecer una plataforma en la que se pudiera fomentar todas las artes, comenzando por la literatura.

A lo largo de estos años estas actividades se han ido consolidando fundamentalmente en tres. El Café lterario de Covibar, magazine cultural mensual en el que podemos encontrar música, teatro y literatura, organizado en colaboración con la Cooperativa Covibar.

También cada mes los amantes del arte pueden disfrutar de Leer un cuadro, actividad que se realiza en la librería Las Hojas de Rivas,y en la que a través de un cuadro en concreto y de la mano de Elena Muñoz se va conociendo su historia, la de su autor, cerrando siempre con una lectura literaria.

Y por útimo la colaboración con La Feria del Libro municipal, en cuya organización, Letras Vivas siempre ha tenido un papel importante, siendo la organizadora del Encuentro de Autores.

Letras Vivas se siente, por tanto, satisfecha de este recorrido, e inicia el curso 2017-2018 con gran ilusión, sindo su primera cita el Café literario, en el que se estrenará el microteatro "¿Y si Juana fuera Don Juan?.

Porque si hay algo capaz de mover las montañas de los prejuicios, de la monotonía y de la falta de ilusión es el poder de la Cultura.

Bienvenidos

viernes, 14 de julio de 2017

La toma de la Bastilla (1789)

El 14 de julio de 1789, la airada población de París se lanzó al asalto de la prisión de la Bastilla, una antigua y poderosa fortaleza que dominaba los barrios populares del este de París, símbolo de la autoridad arbitraria de la monarquía absoluta. En su origen se construyó como una fortificación contra los ingleses durante la Guerra de los Cien Años, pero Richelieu la convirtió en prisión del Estado. Entre sus paredes pasaron algún tiempo personajes famosos como el escritor Voltaire, q
ue escribió allí su tragedia Edipo, el marqués de Sade, y Diderot, colaborador de La Enciclopedia.

Ese día miles de  parisinos armados tomaron el lúgubre edificio, que por entonces sólo custodiaba a siete prisioneros. Fue el primer paso hacia un cambio de régimen que ya no se detendría hasta acabar con la monarquía  y conducir al rey,Luis XVI y a su familia a la guillotina.

Su caída en manos del pueblo constituyó el vibrante comienzo de la Revolución Francesa.

En la madrugada del 15 de julio el rey interrogaba a un miembro de la corte:

– “Pero ¿es una rebelión?” preguntó Luis XVI.

– “No, señor, no es una rebelión, es una revolución” respondió el Duque.

Actos de pillaje, violencia extrema de una muchedumbre empobrecida e indignada, cántico romántico de la revuelta que derriba todo un sistema… Lo relevante es el valor que determinados acontecimientos adquieren y que tras ciertos hechos aislados o inconexos es posible establecer a posteriori una cadena de sucesos perfectamente trenzada que pueden cambiar la Historia con mayúsculas.

Tambén el arte dejó reflejado este acontecimiento.

Jean Pierre Houëll, 1789

 El pueblo, grande y sabio, condujo la lucha por los derechos y la libertad de la humanidad"

 


viernes, 16 de junio de 2017

Expuesto en un escaparate de Eduardo Velázquez González

 (Prólogo a la primera edición. Ediciones Ondina, 2017)

El poeta desnudo
 
Con gran generosidad me pide Eduardo Velázquez que escriba unas palabras que sirvan como pórtico a este poemario,
lo que agradezco de corazón, con la esperanza de que sean dignas de esta obra.
Debo decir , como principio, que cualquiera de nosotros
somos capaces de llevar a cabo diferentes tareas con un éxito aceptable si no s lo proponemos. Incluso una que, a priori, parece tan compleja como escribir poesía, si ponemos la voluntad suficiente. Sin embargo, y a la vista está no son tantos los que se atreven a componer un poema.
¿Por qué? Sinceramente creo que no es solo la técnica, ni tan siquiera la inspiración las que lo impiden. Ambos recursos
se puede adquirir en el primer caso y llamar con trabajo y esfuerzo en el segundo. El quid de la cuestión estriba, sin lugar a dudas, en que la buena poesía exige que el poeta se desnude sin pudor y muestre sus sentimientos sin tapujos, que se exhiba a los ojos del mundo, tal y como nos indica el título de este libro: Expuesto en un escaparate.
La poesía necesita siempre de la sinceridad del que la escribe. Porque es igual que un cristal, una lente que permite ver, a veces aumentada, la realidad a través de la sensibilidad que como tamiz filtra cada poema compuesto.
En este caso los temas con los que Eduardo Velázquez trenza sus versos no son grandilocuentes ni épicos, son tan cotidianos
como los que nos pueden acontecer a cada uno de nosotros, pero sus palabras los convierten en imágenes a veces bellas, otras crudas, siempre despojadas de artificios que podrían
desvirtuar como los espejos de feria la verdad que nos quiere comunicar.
Es un poemario en muchos momentos duro, en el que los sustantivos, los verbos, los adjetivos nos parecen gritar desde
las líneas de cada verso; en otros la ternura, el amor y el cariño
deborda mostrándonos el lado más luminoso del poeta.
El lector, el aficionado a la poesía ,que se acerque a este poemario va a encontrar una poesía sencilla que no simple, cercana que no banal. Porque la poesía no ha de vestirse de grandilocuencia para ser poesía, sino casi lo contrario. Debe ser capaz de reconocer y de reconocerse en cada uno de los lectores porque trabaja con lo más común que nos hace semejantes:
las emociones.
Vamos a ser atrevidos, valientes, al igual que el autor y desnudémonos de todo prejuicio, dispuestos a disfrutar de este libro expuestos, también nosotros, a la poesía.

Elena Muñoz

miércoles, 7 de junio de 2017

GUERNICA de Pablo Picasso

 "No, la pintura no está hecha para decorar las habitaciones. Es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo". (Pablo Picasso)


Óleo. 3,50 x 7,80 metros. Museo Reina Sofía.

El 26 de abril de 1937, dentro de la operación Rugen llevada a cabo por la aviación alemana, tiene lugar el bombardeo de la ciudad de Guernica, población de un claro significado  histórico ya que era y es la sede de los fueros vascos.También era en ese momento el lugar en que se encontraban las tropas republicanas que se dirigían a preparar la defensa de la ciudad de Bilbao.

Fueron tres horas y media de bombardeos, de ensayo de los que se denominó la guerra totalitaria. El ataque se produjo en tres fases: en la primera se lanzaron bombas para alarmar la población; en la segunda explosivos y bombas incendiarias; en el periodo final fueron los aviones ligeros y las ametralladoras las que disparaban a los pobres desgraciados que querían huir.

No era la primera vez que se utilizaba este tipo de bombardeo en la guerra civil española, que se había iniciado en el verano de 1936. En ese mismo año lo sufrió Madrid. Un año después Barcelona y Alicante caerían bajo este "bombardeo de alfombra".El número de víctimas nunca ha sido un dato seguro. Hugh Thomas lo fija, de una manera ponderada, en torno a mil personas. El setenta por ciento de los edificios fueron derruidos. Milagrosamente ni la Casa de Juntas ni el Árbol fueron afectados.

Entonces Guernica se convirtió en símbolo para la II República de la lucha contra el fascismo que encarnaba el sublevado Franco. Negrín, presidente del gobierno, le encarga a Pablo Picasso la realización de un cuadro que sirviera de homenaje, para colgarlo en la Exposición Internacional de París de 1937.

En mayo de ese año el pintor se pone manos a la obra y de ese trabajo nacerá una de las obras más universales de la Historia del Arte, así, con mayúsculas.

Estamos ante un cuadro que no es narrativo, sino simbólico, un estandarte de los horrores de la guerra.
Su composición se lleva a cabo como un tríptico con una escena central y dos laterales.La disposición de las figuras en el lienzo se llevan a cabo a través de un trabajo de triangulación en la composición.

Picasso sitúa  seis figuras humanas y tres animales para que cada uno de ellos simbolice un elemento que aporte significado a la obra.

- El toro, de cabeza blanca y cuerpo oscuro, fuerza bruta, el lado bestial del ser humano dentro de la tradición del minotauro.
- Madre con hijo muerto: representación fiel de la Pietá, habitual en el imaginario cristiano para señalar el dolor de la maternidad por la pérdida. Algún autor ha querido ver una alegoría de la República.
- Guerrero muerto de cuya espada nace una flor: tal vez de lo más desgarrador puede nacer la esperanza; de la muerte nacer la vida.

- Bombilla: se ha querido ver un juego de bomba-bombilla, o una alegoría también de como la técnica puede ayudar al ser humano a avanzar, pero también le puede matar.
- Caballo: parece que simboliza la ciudad de Guernica en agonía ante la guerra, la nobleza; en relación con el toro, una simbólica suerte de varas.
- Mujer arrodillada o herida:en ella se ha querido ver a Dora Meer, amante del pintor en ese momento. ¿Una alegoría del desamor?
- Mujer del quinqué: ilumina la estacia con una vela y avanza en estado de shock. El rostro recuerda al de Theresa Walter en el cuadro de "Mujer con vaso". Podría simbolizar a la República.
- Casa en llamas: alegoría de como la guerra destruye la libertad.
- Mujer implorando: figura en espejo de "Los fusilamientos del 3 de mayo". Para algunos autores se trata de Olga Khoklova, esposa del pintor en ese momento.

El que se hayan relacionado algunas figuras con las mujeres que protagonizaban en ese momento la vida del pintor se debe a que algunos estudiosos piensan que Picasso utiliza esta obra para que, de una manera paralela, dar explicación también a su propia guerra sentimental.

Tras la Exposición Universal y varios periplos el cuadro queda instalado en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York a instancias del pintor que desconfiaba de su uso por la dictadura de Franco. En 1981 vuelve a España, al Casón del Buen Retiro en primera instancia hasta que queda colgado en su ubicación actual: el museo Reina Sofia de Madrid.

GUERNICA

 

No caen del cielo gotas de lluvias que empapan la tierra, que lavan los tejados, que hacen verdear los prados y crecer la vida. No, son nubes de humo preñadas de muerte, de una muerte que abraza las bombas incendiarias, que toca la marcha fúnebre con música de ametralladoras ligeras.
La cuna de los vascones,  de la Vasconia legendaria, la del árbol que a todos ampara  se cubre del olor a la sangre y al pánico que produce la incomprensión de ser chivos expiatorios de un fascismo nacido los huevos incubados por  las peores dictaduras.
No hay color, no puede haber color cuando se pinta la tragedia, cuando en los pinceles solo caben el dolor y la muerte
El llanto de una madre, la fuerza bruta, la nobleza apresada, el miedo, la súplica anidan en el lienzo gris, blanco y negro, sin más color porque no puede haber color cuando se pinta la tragedia, el dolor y la muerte.
Qué sentido tendría el arte si se separara de la libertad y de la denuncia.  Por eso cada pincelada dada clama por sí misma justicia para aquellos que no la tuvieron, palabra para quienes fueron callados por el trueno de la guerra.
Guernica inmortal en el lienzo como símbolo de lo que no debiera haber pasado pero que sigue pasando por que el ser humano es capaz de las mayores grandezas y de las mayores miserias.
Guernica de Pablo Picasso es más que un cuadro porque el arte es dolor, es denuncia y es memoria histórica, también.


Por Elena Muñoz

miércoles, 17 de mayo de 2017

EL BAILE DEL MOULIN DE LA GALETTE de Renoir


Óleo sobre lienzo. Impresionismo.
Museo de Orsay . París


Ya en plena primavera traemos a esta sección un cuadro que, por su estilo y temática, nos habla del aire libre y de la fiesta .Pintado por  Renoir, estuvo colgado en la III Exposición de los impresionistas en 1877, pasando por diversos museos, entre ellos el del Louvre, para quedar definitivamente instalado en el de Orsay en 1984.

Es uno de los cuadros más emblemáticos del movimiento impresionista, cuyas características a grandes rasgos se basan en la intención de captar la luz, de aprehender la impresión visual, pasando a segundo plano la importancia de la forma.

Curiosamente, el origen del nombre de este movimiento surge de una manera peyorativa por parte de los críticos, a partir  del cuadro de Monet, otro excelente pintor, Impresión: sol naciente. La influencia del impresionismo en el desarrollo posterior del arte fue clave, sobre todo en los postimpresionistas y en las vanguardias.

Volviendo a la obra que nos ocupa, esta nos traslada a un baile en el Moulin de la Galette, un merendero muy popular en la  época, cerca de Montmatre, y que era frecuentado por artistas, literatos, prostitutas y obreros, que hasta allí llegaban los domingos y días festivos, organizando un baile en el centro, con mesas a su alrededor, bajo los árboles.

Y es este el momento que capta el pintor: una escena de la vida moderna, algo imprescindible en los impresionistas, en la que los participantes nos muestran una galería de retratos, con zonas ensombrecidas e iluminadas por la luz que se cuelan entre los árboles y que el artista resuelve con sombras de color malva. Las personas que protagonizan el lienzo tienen nombres y apellidos: Lamy, Goeneutte y Georges Rivière junto a las hermanas Estelle y Jeanne y otras jóvenes del barrio de Montmartre. En el centro de la escena bailan Pedro Vidal, pintor cubano, junto a su amiga Margot; al fondo están los también pintores Cordey, Lestringuez, Gervex y Lhote.

Desde el punto de vista formal, Renoir utiliza un recurso muy interesante para poder captar la escena principal y la que se desarrolla en segundo plano, como es el uso de dos perspectivas. En el primer caso vemos como la ha resuelto desde arriba, mientras que en el segundo caso hay una perspectiva frontal. De esta manera consigue abarcar a toda la multitud.

Respecto a la composición, Renoir sigue utilizando elementos clásicos, que le funcionan muy bien: la diagonal y los distintos planos paralelos que avanzan hacia el fondo. Asimismo organiza las figuras en dos círculos, uno más compacto a la derecha y otro más despejado alrededor de la pareja de la izquierda.

No obstante, si dejamos a un lado los requerimientos técnicos y nos presentamos como simples observadores ante la obra nos vemos sorprendidos por la atmósfera, por el aire, que rodea a las figuras, a base de una pincelada difuminada,  de colores cálidos y agradables,  y  por el movimiento conseguido por las diferentes líneas de las cabezas, que  junto con la alegría que emana esta obra   nos traslada a ese ambiente festivo del París de la bohemia de finales del siglo XIX.



París en primavera. 


La luz y el color  traspasan
el aire más allá de la pupila
para deshacer la realidad en colores.


La música se enreda , pespunteando
las hojas de los árboles,
tamizando la claridad,
lloviendo malvas y amarillos 
sobre mujeres  y hombres que danzan
y esperan las palabras de amor.


Artistas y obreros, damas de la noche
que se visten  de tarde para bailar.
Pintores pintados, pintores pintando.


Sonrisas despreocupadas
en el Moulin de la Galette,
la tarde de un domingo cualquiera,
alrededor de quienes  les contemplamos,
conscientes de que la vida se nutre
de aquello intangible, de aquello
que solo anida  en el alma a través
de los sentidos y la luz.


(Artículo y poema Elena Muñoz)

jueves, 4 de mayo de 2017

Ser sin cuerpo de Cristina Bajo Polo

 El pasado día 22 de abril la poeta Cristina Bajo Polo presentó su primer poemario SER SIN CUERPO de Ediciones Ondina El total de las ventas se dona a la Asociación que lucha contra la esclerosis múltiple, enfermedad que padece la escritora y que mucho tiene que ver con su libro.. 

Durante el acto de persentación la editora Elena Muñoz llevó a cabo esta entrevista que ahora recogemos  en la bitácora de Letras vivas.

 
Este no es un poemario que surge de la casualidad, sino que se va fraguando durante tiempo.¿ Desde cuándo escribes poesía? ¿Qué es la poesía en tu vida?

Creo que escribo poesía desde que tengo uso de razón casi. En mi familia había mucho amor por la poesía y siempre había un libro de versos encima de una mesa. Mi hermano pasaba horas y horas poniendo música a diferentes poetas para hacer prácticas con su guitarra. Es decir, estaba en el ambiente.
En mi adolescencia pasaba disfrutaba de mi tiempo escribiendo, haciendo ejercicios poéticos, era lo que más me gustaba hacer. Poesía, relatos cortos e, incluso, algún proyecto más ambicioso me acompañaron en aquellos años y cuando elegí mi vida profesional opté por ser periodista para poder vivir de mis palabras. En definitiva, ha sido una constante en cada una de las etapas de mi vida.

Tu poemario está dividido en tres partes. Comencemos por la primera RAPSODIA, de donde proviene la palabra rapsoda, que viene a ser un canto ensamblado, en este caso, ¿a qué? ¿Qué hay en esta rapsodia, que cuenta?
Este poemario lo he estructurado en tres partes porque quería dar cuerpo en poesía a la transformación vital que he vivido en los últimos años muy condicionados por la aparición en mi vida de la esclerosis múltiple. La primera parte, Rapsodia, reúne sentimientos previos al diagnóstico. Simplemente transmito instantes de mi vida previa donde las preocupaciones eran muy diferenciadas: El trabajo, el amor, las aspiraciones más íntimas, mi preocupación por la realidad que me tocaba vivir, etc. Esta primera parte es en sí la suma de experiencias vitales que me formaron como persona. La poesía permite contar experiencias de vida gracias a la suma de pequeños instantes que te hacen ser cómo eres. Es por tanto, el resumen de una evolución de vida ascendente.  
    
La segunda parte la has denominado Sinestesia. Aquí estamos ante una manera de percibir conjunta de varios sentidos que en tu caso la has relacionado con la percepción de colores. Cuéntanos como es la génesis de esta parte. ¿En qué momento tuyo  vital se sitúa?
La segunda parte del libro coincide con una etapa en la que la esclerosis múltiple toma protagonismo absoluto. Empiezo a perder capacidades de manera significativa, dejo de andar, de mover el brazo derecho y mi vida se tambalea. Es un proceso muy complejo porque toda tu realidad cotidiana se derrumba, dejas de trabajar, la relación con tu entorno cambia significativamente y en todo este torrente de emociones tienes que buscar el sentido de tu nueva vida con una enfermedad neurodegenerativa tan dura como esta. Además, coincidió en el tiempo con la pérdida de mi madre, su fallecimiento también afectó muchísimo en mi estado de ánimo en ese periodo. Pese a todo, yo seguía activa e intentaba buscar una nueva forma de vivir.
Transmitir todos estos sentimientos en poesía es complejo, sobre todo si no quieres caer en un llanto lastimero sin más. Comencé a utilizar un recurso que me venía muy bien para explicar lo que sentía que se basaba en el uso del color en los poemas. El color respondía a mi necesidad de contar todas las sensaciones que se agolpaban en mi mente, especialmente sensible a todo en aquellos momentos porque la enfermedad hacía que mis sentidos estuvieran sobreestimulados.
No obstante, en esta época de mi vida tampoco la enfermedad fue el único protagonista, seguía amando, soñando, aprendiendo, viviendo en definitiva. Así he pretendido dejarlo reflejado en esta parte del poemario.
             
En este recorrido llegamos a la parte que has llamado Atarazana, un lugar en donde se reparan barcos, un astillero. ¿Hay  relación con este apartado de tu libro y su significado?
Una vez superado este periodo de caída libre, he llegado a una tercera fase de indudable aceptación de la nueva realidad. Esta parte se denomina Atarazana porque condensa el periodo de mi vida de reinventarme, de buscar un nuevo sentido a la vida. En definitiva me voy al dique seco a curar las heridas y a pensar que voy hacer a partir de ahora.
Este proceso vital que se describe en el libro no es exclusivo del enfrentamiento a una enfermedad, creo que todas las personas tenemos periodos en la vida en las que parece que todo se derrumba y tienes que volver a construirte. La vida es así y nadie está ajeno a estos procesos, lo fundamental es encontrar que te hace feliz y seguir peleando por ello aunque tengas nuevas limitaciones y vivas otra realidad.

En alguna de nuestras conversaciones me has dicho que con este poemario cierras una etapa. A partir de este momento hacia dónde se encamina tu poesía  a la vista de un segundo poemario.
Esta es una etapa de mi vida que tenía que contar, tenía que sacarla fuera. Son muchos los sentimientos vividos en estos últimos años y tenía que darles forma.Sin embargo, si quiero cerrar este periodo para poder volver a dar importancia en mi vida a otras cosas. Mi gran invalidez estás ahí conmigo y seguirá estando, pero insisto, esto no es lo único que me importa. Por supuesto que seguiré escribiendo porque lo necesito más que el aire que respiro y tengo muchos proyectos en mente de nuevos poemarios aunque todo a su debido tiempo. Creo que intentar escribir con calidad exige un esfuerzo y un trabajo y quiero que mi próximo libro pueda hacerme sentir tan orgullosa como me siento de Ser sin cuerpo que, quizás no sea una genialidad asombrosa, pero de lo que sí estoy segura es de que es el libro que quería escribir. Con el próximo quiero sentirme igual de identificada.

Elena Muñoz

jueves, 6 de abril de 2017

Arte y literatura: Gustav Doré

En ocasiones, cuando hablamos de literatura nos olvidamos de un elemento que aporta un valor añadido a la edición de los libros. Nos estamos refiriendo a las ilustraciones. Desde la Edad Media han formado parte de las obras literarias, explicando, adornando las palabras.

La relación entre las artes plásticas y la literatura  es innegable. Ya sea como explicación de un texto literario a traves de una imagen, ilustrándolo o, simplemente, sirviendo de inspiración. También podemos encontrar la referencia iconográfica e iconológica de un cuadro a través de la literatura o que sirva de mera base para un poema, por ejemplo.La literatura y el arte forman parte de un sistema estético comparable y la Historia los ha llegado a equiparar respecto a estilos y tendencias.

Dicho esto, si ha habido un artista que aportara su propia visión a la interpretación de grandes obras de la literatura tenemos que referirnos a Gustav Doré y a sus famosos grabados.

Nacido en Estrasburgo ya con quince años llevo a cabo su primera obra: Los trabajos de Hércules a las que siguieron otras muchas que permanecen en el imaginario común: El Quijote, La Biblia, La Divina Comedia, Caperucita Roja..., etc.

Aunque los grabadores no eran considerados artistas todavía- la obra de arte debería ser única e irrepetible- la calidad del trabajo de Doré, así como el resto de su obra, nos sitúa ante un gran pintor y dibujante.

En sus grabados podemos encontrar influencia de otros grande artistas que utilizaron esa técnica, como es el caso de Goya, al que conoció en su viaje por España.

Doré no tiene límite como creador, abarcando todos lo géneros. Lo mismo que su influencia en artistas posteriores, llegando su huella hasta  el arte cinematográfico. Sus escenografías reflejadas en sus grabados han servido de inspiración a muchos cineastas, partiendo de Geoges Melies en su Viaje a la luna hasta Peter Jackson en El señor de los anillos o Harry Potter, pasando por Tim Burton y todas las representaciones del Londres de Dickens.

Su estilo es siempre respetuoso al tema que representa. No cabe duda, además, que Doré se convirtió en un gran divulgador literario tanto de la literatura clásica (Dante, Rabelais, Cervantes) como contemporánea a su tiempo (Honoré Balzac).

Sirva este mes del libro para recordarle.